Борцы за природу из организации Climаximo облили красной краской известное произведение искусства Пабло Пикассо 1929 года — «Женщина в кресле (метаморфоза)». в каких только направлениях не творил Пабло Пикассо.
В ведущих музеях мира пройдут выставки к 50-летию со дня смерти Пикассо
1907 год был ознаменован удивительной находкой Пикассо: он вместе с французским художником Жоржем Браком придумал целое направление в искусстве — кубизм. Поиски Пикассо были основаны на его убеждении, что живопись способна на большее, чем просто показывать то, что видит глаз. 1907 год был ознаменован удивительной находкой Пикассо: он вместе с французским художником Жоржем Браком придумал целое направление в искусстве — кубизм. Скачайте направление в формате PDF, заполните его в программе Adobe Reader или от руки, распечатайте или передайте в электронном формате.
Источник вдохновения
- ИИ воссоздал закрашенную картину Пикассо
- Пикассо в бизнесе (28 августа 2023) |
- Искусственный интеллект воссоздает картины Пабло ПикассоМир технологий -
- «Ожившие работы мастера»: в Красноярске впервые проходит выставка Пабло Пикассо
- «Пикассо меняет стиль чаще, чем носки»
В ведущих музеях мира пройдут выставки к 50-летию со дня смерти Пикассо
В картине испанского художника Пабло Пикассо используется редкий минерал волконскоит, рассказала телеканалу "Санкт-Петербург" сотрудница. В путешествии от объективного к сюрреалистическому Пабло Пикассо (Pablo Picasso) зашел дальше всех. Пабло Пикассо можно по праву назвать одним из самых удивительных и неподражаемых художников. Пикассо считается революционным художником в различных направлениях, включая живопись и керамике. Скачайте направление в формате PDF, заполните его в программе Adobe Reader или от руки, распечатайте или передайте в электронном формате.
В Пушкинском идет выставка «После импрессионизма». И вот почему вам стоит на нее сходить
Лабиринт Пикассо слишком сложен, чтобы разгадать загадку полностью. На протяжении почти целого века он видел, как преображается мир вокруг него. Пикассо и сам смог повлиять на течение истории, и одновременно менялся вместе с миром. Вместе с французом Жоржем Браком испанец Пабло Пикассо стал создателем нового направления в искусстве — «Кубизма».
Из волкоинска можно получить зеленый цвет в различных оттенках — от ярко-изумрудного до оливкового и фисташкового. После высыхания на краске с этим минералом образуется тонкая защитная пленка, которая консервирует краску и не позволяет проникнуть внутрь слоя влаге и другим разрушающим условиям.
Именно такой краской пользовались иконописцы в XI веке.
Картина, на которой проститутки то есть, жены на час выступают вперед столь гордо - это насмешка над сюжетом с женами-мироносицами. Сюжет Евангелия таков: пять женщин иногда три, канон варьируется пришли к пустому гробу Господа на Голгофе: Иисус распят, а гроб пуст — это апофеоз человеческого отчаяния, образ безбожия.
В иконографии, в частности, в иконографии авиньонской школы — образ пустой гробницы варьируется многократно. Сильнее прочих — алтарь Перусси для церкви в Авиньоне, сделанный неизвестным нам художником по заказу Луи де Рудольфо Перусси в 1480 г. На центральной панели изображен высокий пустой крест и молитва святых, предстоящих перед пустым крестом — акт веры вопреки.
Зритель узнает об отсутствии распятого тела Христа по трем гвоздям, которые все еще вбиты в перекладины, да по прибитой табличке «Царь Иудейский». Феноменальное свидетельство веры в отсутствии Бога далеко не единственный пример в искусстве Прованса. Не имеет значения, видел Пикассо данные работы или нет; это не метод точнее говоря, это детективный метод, имеющий косвенное отношение к духу культуры для определения влияний и движения замыслов.
Дух Авиньона — то есть, дух города, куда волей сильных мира сего переместился престол Петра, где случайно собрался цвет «христианского гуманизма» - дух Авиньона внушает мысль о том, что место Бога может оказаться пустым; Бог мог отойти в сторону. Богооставленность — причем, внезапная богооставленность алтарь Перусси и миниатюры в манускрипте Рене Доброго выполнены тогда, когда престол Петра уже вернулся в Рим, и Авиньон опустел — и есть то чувство, которое переживает христианское искусство на пороге тотальной войны. Пикассо пишет картину долго, слишком долго для простой реплики; Макс Жакоб говорил, что однажды друзья найдут художника повесившимся за картиной, настолько Пикассо измучен.
Сохранились наброски, впрочем, Пикассо и сам говорит о трансформации замысла и эскизы — на холсте присутствовал студент с черепом. То есть, формально, по бытовому сценарию картины — студент - это посетитель публичного дома; но в аллегории — череп - это символ Голгофы, куда пришли жены мироносицы «Голгофа» переводится как «череп», это место казни, где складывали черепа, поэтому принято изображать на картине Распятия череп, это знак Адама, считается что это череп первого человека, и Иисус жертвой снял первородный грех. Постепенно освобождаясь от излишних фигур, Пикассо оставил лишь жен мироносиц проституток и руку ангела, отдергивающую занавес.
Согласно Евангелию, жены встретили у пустой гробницы ангела, который указал им, что Иисус ушел на небо, иногда рисуют ангела с указующим перстом; здесь же он просто отодвинул покровы инобытия. Готические трансформации объемов в композиции «Авиньонских девиц» напоминают Купальщиц Сезанна, о чем говорено не раз. Геометрические формы религиозного Сезанна сложение природы из атомов, или из модулей — см.
Картины революционной эпохи кубизма, времени прорыва, в буквальном смысле слова возводились так, как строились готические соборы, компонуя архитектурные элементы. Возведение угловатого образа отсылает нас к стратегии строительства готического храма, и колючие конструкции кубистов напоминают готические соборы. Готическое витражное окно, в котором фрагменты стекол образуют как бы ячейки, пересеченные свинцовыми спайками, буквально напоминает структуру кубистической картины: именно так художник кубист и рисует, дробя плоскость внутренними линиями на несколько витражных стекол.
Объемы и плоскости кубистических картин преломляются и переплетаются как аркбутаны и нервюры — и нет в европейском искусстве более близкой аналогии кубизму. Если принять, что средневековый готический собор — есть образ отдельно стоящего человека, гражданина с прямым позвоночником, противостоящего пространству общества — то пафос кубизма: строительство вопреки плацдарму войны делается понятен. Кубизм как некогда авиньонская школа фиксировал эклектику разломанной на части эстетики Европы; требовалось собрать стилистические тенденции.
Кубизм ведь не разбирает форму на составные части, напротив, кубизм форму выстраивает заново. Кубизм - стройка из осознанной пустоты, с опытом прошлого строительства; холсты раннего кубизма внешне напоминают работу каменщиков собора: создается конструкция, возводится вертикаль, лепится — объем за объемом — здание, камень водружают на камень. Серые и бурые кристаллические граненые формы похожи на каменную породу; в готике камень сохраняет острые края.
Новый стиль «кубизм» как и новый стиль Авиньона XIV в. Иной почвы в истории европейской эстетики, помимо «интернациональной готики», у кубизма нет. Отсылка к африканскому искусству Пикассо говорил об африканской скульптуре, впоследствии лики авиньонских девиц стали сопоставлять с африканскими масками оправдана ситуативно: художник увлекался и этим; но в готике достаточно восточных мотивов, завезенных из Крестовых походов.
Провансальскую готику вспоминали часто; Сезанн, Гоген и Гюисманс не единственные; вернуться в Средневековье, значит понять себя. Причем это возвращение к ренессансной готике происходит одновременно с возвращением Европы к расовой идее, и пока Пикассо переосмысляет христианский собор и витраж, его современники, отвергая христианство, «опускаются ниже, к корням», как выражался Клее. Ломти дыни напоминают аркбутаны собора, банка соли, поставленная на возвышение, выглядит как главная башня, распахнутый веер создает структуру готического пространства, в которой легко прочитать вытянутые узкие окна с витражами.
Знаменитая «Женщина в кресле» 1910, The Museum of Modern Art New York — заставляет пережить процесс строительства собора, на наших глазах органическая форма усложняются; конструкция божественная, стремящаяся вверх, конструкция храма — прорастает из органики. Особенность кубизма Пикассо в том, что он не отвергает и не рассыпает органическую форму как не отвергает таковую и готика ; напротив того: и готика, и кубизм как бы усиливают интенции микрокосма — чтобы он пророс и развился в направлении макрокосма. Во тьме собора ибо карнация картины соответствует полутьме собора мы видим даже устремленные вверх трубки органа — звучит хорал.
Человек — собор, эта мысль лежит в основе кубизма, конструкция человека, его замысел — раскрывается постепенно, Пикассо заставляет это умопостигаемое знание пережить наглядно. То, что скрыто от нас оболочкой тела, а именно хитросплетения костей вен и мышц, готический собор предъявляет как очевидную конструкцию бытия. И Пикассо, вслед за зодчими соборов, открывает внутренний порядок буквально в каждой вещи.
Весь мир устроен как собор, как сложно структурированный храм, возносящийся ввысь. Именно как соборы следует рассматривать длинные вертикальные вещи, написанные летом 1910 года в Кадакесе — «Обнаженная» Национальная галерея искусств, Нью Йорк и «Женщина с мандолиной» Музей Людвига, Кельн. Холст, «Обнаженная», вытянутый вверх почти на два метра, выстроен как последовательное восхождение вверх: так в соборах мы поднимаемся взглядом по ярусам, задерживая взгляд на табернаклях, на скульптурах.
Пикассо окончательно остановился на вытянутой вертикальной форме холста, в которую вписывает многосоставную, сложно сконструированную форму, устремляющуюся вверх и замыкающую себя шпилем. Монохромные, каменные, кропотливо возведенные — форма плотно пригнана к форме; эти картины сами являются соборами, сложно-собранными сооружениями. Собственно, видеть в «кубизме» африканскую маску» значит прочесть кубизм в духе расовых теорий, набирающий силу в это время.
Пикассо и сам охотно подыгрывал такому прочтению, провоцировал зрителя, вызывал зрителя на реакцию расиста. Видеть в «кубизме» африканское дикарство - значит принять ту версию наивную будто Пикассо желал просто публику шокировать вандализмом —или, точнее, проверить на вандализм. Так восприняли, кстати, кубизм российские мыслители, взыскующие красивой красоты зрители.
Покрывало дня, с его успокоительной пестротой и красочностью, отлетает, вас объемлет ночь, страшная, безликая, в которой обступают немые и злые призраки, какие-то тени. Это — удушье могилы». Бердяев в том же году в статье «Пикассо»: «Когда входишь в комнату Пикассо галереи С.
Щукина, охватывает чувство жуткого ужаса. То, что ощущаешь, связано не только с живописью и судьбой искусства, но с самой космической жизнью и ее судьбой. А если и будет весна, то совсем уже иная, новая, небывалая, с листьями и цветами нездешними.
Кажется, что после страшной зимы Пикассо мир не зацветет уже как прежде, что в эту зиму падают не только все покровы, но и весь предметный, телесный мир расшатывается в своих основах. Совершается как бы таинственное распластование космоса. Пикассо — гениальный выразитель разложения, распластования, распыления физического, телесного, воплощенного мира» Тексты Бердяева и Булгакова далеких от фашизма мыслителей в деталях воспроизводят критику вишистского националистического правительства, объявившего Пикассо «жидовствующим художником», чуждым национального чувства красоты.
Скорее всего, этот взгляд чужд Булгакову и Бердяеву; однако не усматривают в кубизме радости красок и «гармонии», то есть, упорядоченного мироздания. Если бы их поставили в известность о том, что Матисс разделяет идеалы Вишистского правительства, а Пикассо им оппонирует, философы бы не смутились: «прекрасное», как для Бердяева, так и для Булгакова, не имеет моральной составляющей; они христиане, но вовсе не неоплатоники. Сергей Булгаков, мыслитель, внимательный к деталям, подметил в отношении Пикассо: «Этот молодой художник, родом испанец с примесью мавританской крови очень существенная черта!
Словосочетание «мавританская кровь» в данном пассаже является эвфемизмом морисков, крещеных мавров, и марранов, насильно крещеных евреев, Филипп III депортировал из Испании одновременно , уточнение отца Сергия Булгакова характерно. То, что о. Сергий Булгаков обратил внимание на кровь, любопытно еще и потому, что спустя несколько лет Морис Вламинк и прочие поборники «национальной красоты» подметили ровно то же самое.
Отец Сергий продолжает так: «Вот «Нагая женщина с пейзажем», изогнувшаяся в уродливо-эротической позе, — ноги словно лопасти амфибии, грузная, тяжелая, расползающаяся на части: злобный цинизм и вызов растления, бунт трупности и гнили. Вот «Женщина после бала», грузно сидящая на кресле и злобными глазами уставившаяся вдаль, — как идут здесь эти красочные глыбы, между собою не спаянные, для изображения этого вампира, у которого от тела осталась одна злоба да геометрия. Вот «Дама с веером», вся из треугольников и геометрических фигур, злобная, насмешливая и нечеловеческая.
Вот три женщины, словно кошмарные видения в багрово пламенеющих тонах, тяжело застыли в пляске. Вот ужасная «Фермерша», состоящая из нескольких геометрических булыжников, вся — тяжесть и косность. Здесь тело потеряло свою теплоту, жизнь и аромат, превратившись в фигуры, в геометрию, в глыбу; жизнь утратила движение и застыла в какой-то гримасе; плоть с каким-то демоническим аскетизмом иссушена и обескровлена.
Это — духовность, но духовность вампира или демона; страсти, даже и самые низменные, взяты здесь в чисто духовной, бесплотной сущности, совлеченные телесности. Здесь проявлен совсем особый, нечеловеческий способ видения и восприятия плоти, дурной спиритуализм, презирающий и ненавидящий плоть, ее разлагающий, но в то же время вдохновляющий художника, который, по иронии вещей, все же говорит только в образах плоти и через плоть. Во время истребительной войны текст Булгакова относится ко времени Первой мировой , Пикассо пишет «Старого еврея и мальчика» - из тех вещей, что священник мог видеть в коллекции Щукина, и «Свидание»; но эти вещи не впечатляют.
Любовь и защита слабого еще более слабым, объятья любящих, трепет прикосновения к любимому человеку — это пишет «жидовстующий эмигрант», не имеющие отношения к гармонии империй. Отец Сергий Булгаков не разглядел этого ни в «Свидании», ни в «Старом еврее и мальчике», но последовательно отстаивал то понимание красоты, которое имманентно империи. Характерно, что Булгаков при этом оперирует «неоплатонической» фразеологией, используя ее внутри имперской эстетики.
Она предстает в творчестве Пикассо в несказанном поругании, как уродливое, отяжелевшее, расползающееся и разваливающееся тело, вернее сказать, труп красоты, как богоборческий цинизм «Женщина с пейзажем» , дьявольская злоба «После бала» , разлагающийся астральный труп «Дама» с змеиною насмешкой колдуньи «Дама с веером». И все эти лики живут, представляя собой нечто вроде чудотворных икон демонического характера, из них струится мистическая сила; если долго смотреть на них, испытывается род мистического головокружения. Они изображены с такой художественной убедительностью и мистической подлинностью, что невозможно ни на минуту сомневаться в искренности самого певца «Прекрасной дамы», в демоническом стиле и в мистическом реализме его искусства.
Интересно, что по-своему столь же сильное и мистическое впечатление производят и другие картины этой эпохи, с самым безобидным содержанием: nature morte, бутылка со стаканом, вазы с фруктами. Та же непросветленная и беспросветная тяжесть, та же мистическая жуть и тоска. Из всех них истекает некая черная благодать, ощущающаяся в этой комнате почти до физической осязательности.
Ни одного светлого луча в этой мертвой и скорбной пустыне, опаленной адским огнем». Такие чувства посетили священника перед готическими картинами Пикассо, стоит ли удивляться, что подобные чувства посетили ревнителей «национального чувства прекрасного» во Франции. Готика — вненациональна; единственная внятная историческая аналогия готическому собору — это Интернационал.
И впрямь, национальное сознание прикасаясь к интернациональной концепции, испытывает потребность в национальном чувстве прекрасного. Пикассо говорит: «Когда мы начинали писать кубистически, в наши намерения не входило изобретать кубизм. Мы лишь хотели выразить то, что было в нас самих.
Ни один из нас не составлял особого плана сражения, и наши друзья — поэты — внимательно следили за нами, не давая никаких предписаний». Лирика одиночек не нуждается в пресловутых «общезначимых ценностях», находит общезначимые ценности как бы случайно: в процессе выяснения собственных чувств. Выразить то, что внутри тебя — возможно в том случае, если внутри тебя нечто есть; со временем термин «самовыражение» станет универсальным и бессмысленным: многие считают, что, выражая эмоции, они выражают себя, речь разумеется, но об эмоциях.
Если пережить себя как субъекта истории война и революция принуждают к этому , то единство с миром через язык и жест, через традиции и даже через феномен одиночества — позволяет представить всю историю через свою деятельность. Точно так и готический собор можно воспринимать как выражение всей истории Европы. Спросить: «хотел ли Пикассо строить готический собор, вертикалью оспорить плацдармы войны», нелепо — ведь и строитель готического собора XIV века не имел намерения строить именно «готическое» сооружение: в процессе работы поколений «готика» достраивалась сама собой.
Важно войти в ритм «бесконечного возведения», как важно войти в ритм бесконечного само-припоминания, тогда кубизм и готика возникают сами. И кубизм, и готика — это постепенное достраивание объемов, додумывание, включение нового и нового компонента в рассуждение. Кубизм разрушает объем в той же степени, в какой готика разрушает объем романского храма, с тем — чтобы начать новое строительство.
У Шеллинга есть термин «бесконечный субъект», он так называет историческое «я», которое в свернутом, нераскрывшемся виде содержит всю историю мира внутри личности, или, точнее сказать, содержит способность понимания истории переживающим субъектом. Процесс самоузнавания Шеллинг называет это «привлечением себя» приводит к раскрытию потенций души, и через самоузнавание возникает язык и речь. Но что, если «самоузнавание» не наступает, что, если камни, из которых надо бы сложить собор, ложатся криво, как попало, и собор выходит кривым — экзистенциализм, современная Пикассо система рассуждения, говорит именно об этом, о возможной ошибке.
Осознание бытия может попросту не состоятся; «свернутый» историзм вполне может и не развернуться: историческое бытие человека сумбурно. Прикладывать понятие возрожденческого «гуманизма» к реальности ХХ века непродуктивно; спустя некоторое время об этом будет говорить Хайдеггер. Во всяком случае, использование языка «кубизма» уже в тот момент, когда «кубизм» из высказывания Пикассо превратился в салон и стиль — чревато созданием вещей прямо противоположных мысли и духу Пикассо.
Спустя несколько лет в России возникнет движение супрематизма, также оперирующее геометрическими фигурами. К 1915 году, когда Малевич «изобрел» супрематизм, кубизм для Пикассо давным-давно исчерпал себя, в Европе кубизм перешел в салонную стадию, был подхвачен десятком эпигонов. Большинство из подражателей и толкователей не поняли в кубизме главного: кубизм не разрушал форму, а строил; не разваливал мир, но возводил собор; не ломал объем, а выращивал божественно сложную форму.
Эпигоны свели кубизм к приему деструкции, а наивные искусствоведы, сказали, что изображен распад предмета и предчувствие мировой войны. Так можно увидеть распад архитектуры в сложнейших переплетениях нервюр и аркбутанах готики, в то время как готика - лишь усложнение общей конструкции храма. В работе зодчего собора, плетущего каменное кружево, примитивная фантазия хуторянина разглядела лишь квадратики; квадраты и прямоугольники Малевич считал развитием кубизма.
Малевич так же относится к кубизму и Пикассо, как относится Сталин - к марксизму и Марксу, то есть, не просто далек от кубизма, но диаметрально кубизму противоположен. Подобно тому как Сталин провозгласил, что «марксизм не догма, но руководство к действию» и объявил военный переворот в России, в стране, где не было пролетариата, - пролетарской революцией, так и Малевич, убежденный всем существом, что продолжает дело кубизма и даже идет дальше, - шел в совершенно другую сторону. Примитивное лозунговое сознание нуждается в том, чтобы сложное представить плоским; фашизм утилизирует идейные конструкции, сводя их к схеме; сложные идейные конструкции не годятся в принципе.
Супрематизм является зримым воплощением сталинизма в знаково-сигнальной системе: воплотить сталинизм в зримую форму проще, нежели воплотить принципы католической веры и философскую систему Гегеля; в силу примитивной сигнальной конструкции агитация Малевича хорошо усваивается. Одна из легенд о «новаторстве» гласит, что Малевич изобрел стиль «супрематизм» - этот поздний, по отношению к кубизму продукт есть идеологизация замысла Пикассо, использование философии для создания идеологии; как и всякая идеология, этот продукт оказался недолговечен. Пабло Пикассо "Девочка на шаре" Метод кубизма, как и суть стиля готики — в том, чтобы утвердить многогранность всякого явления.
Вещь надлежит видеть с разных сторон — один из тезисов Пикассо. Он всегда так строит фигуру - женские образы часто объединяют несколько ракурсов в один: зритель видит сразу и грудь, и спину, и профиль, и фас. В кубистических картинах Пикассо показывает многоликую вещь, сочетая в едином предмете несколько измерений.
Так и готический собор, устремляясь вверх, сочетает с вертикальной перспективой движения нефов и трансепта. Метод Пикассо кажется родственным сюрреализму; мастера сюрреализма сочетали несочетаемое порой расчетливо как Дали , но чаще спонтанно, как того и требовала программа сюрреализма следовать подсознанию. Сочетания несочетаемого в картинах Пикассо давали возможность сюрреалистам видеть в мастере «своего», но для Пикассо изучение всех свойств вещи, включая и те, что понимаешь с неожиданного ракурса — это именно реализм.
Сам мастер говорил, что не пишет просто «обнаженную», но создает портрет «груди», «ноги», «живота» и соединяет эти автономные сущности комбинация создает впечатление нескольких ракурсов, соединенных в одно изображение. Из сочетания различных точек зрения можно сделать вывод о релятивизме Пикассо; вывод будет ошибочен. Суть высказывания в обратном: истина не многовариантна, но при этом истина не одномерна.
Вещь, одушевленную своим собственным смыслом, следует рассмотреть со всех сторон: сравнение Пикассо с Кантом прозвучало уже в ранние годы художника. Автономная сущность предмета — вовсе не исключает участия субъекта в истории; просто связь вещей толкуется сообразно сложности включенной в историю вещи. Пикассо лишен деликатности в рисовании: то, что иной поместил бы в тень, он выводит на свет.
Его утверждения нельзя толковать двояко: «Герника» - осуждает насилие, «Натюрморт с бычьим черепом» 1943 года — изображает ночь Виши: прямые и ясные картины. Но суть самой вещи, изображенной в картинах, многозначна. Сущность образа Быка в Гернике, и суть черепа быка в натюрморте — не равнозначны смыслу картины.
Так и фигура Макбета или короля Лира содержит противоречивые качества. И от того, что в философской пьесе Пикассо толкования вещей сложны, его прямые утверждения усложняются. В Париже, куда Пикассо переехал в 1904 году, сосуществовало такое количество противоположных концепций, что не заметить противоречий было нельзя.
Рисование Пикассо прежде всего философствование, он рассуждает, рисуя. Согнутое колено старого еврея служит контрфорсом, вывернутые руки гитариста — аркбутаны. Именно такие одинокие нищие появятся и у самого Пикассо в парижских холстах, и у Паскина, и у Модильяни, и у Сутина.
Тощая женщина с утюгом - перекрученная, точно горгулья водостока, состоит из одних лишь сочленений. Можно было бы сказать, что это та же тема, что и Чаплина одиночество, беззащитность в большом городе , та же тема что и у Сутина отчаяние , если бы не тот факт, что Пикассо — готический художник nec plus ultra, а готике неведом страх. Готика существует ради бестрепетного движения вверх; чувство прямого позвоночника, не гнущегося в поклоне — во всех картинах Пикассо.
Он не умеет нарисовать согбенной фигуры. Гитарист заплелся в спираль, но позвоночник не согнул, оттого его поза неестественна. Старый еврей, нищий, с изглоданной судьбой, сидит прямой как палка.
Женщина, которая гладит белье, выхудилась до костей, ей крайне неудобно гладить, не сгибая позвоночник, но она не гнется. Готическое искусство существует, чтобы вызвать чувство благоговения перед Богом и гражданское мужество; среди колонн собора и стрельчатых проемов охватывает чувство благоговения. Это благоговение перед мужеством — Господа и коммуны города.
Религиозное чувство своеобразное: испанское сознание вряд ли бывает атеистическим в принципе легко разглядеть в Пикассо времен «Тавромахии», когда он рисует матадора как Христа, или когда он вдруг включает евангельский мотив. Но Пикассо религиозный художник с самого начала — с двадцати лет. Готические картины «голубого периода» нарисованы ради чувства благоговения перед одиночеством — и голубой цвет, религиозный цвет, усиливает чувство одинокого сопротивления небытию.
Пабло Пикассо осмеливается нарушить испанское табу: пишет голубой вместо черного. Главное в испанской живописи — это глухой бархатный черный цвет; классическая испанская живопись поражает тем, что яркое небо заменили на глухой черный из эстетических соображений. Зритель усилием воли вспоминает, что Испания - страна голубая, когда смотрит на черного Риберу, черного Сурбарана и черного Веласкеса.
Джон Ричардсон John Richardson сравнивает картину «Слепой нищий» 1903 г с «Пьетой» Луиса де Моралеса, испанского мастера 16-ого века — где болезненный закативший глаза, Иисус похож на слепого. С Моралесом легко сравнить холсты «Завтрак слепого» и «Старый еврей». Но там, где классический испанский художник кладет черный — Пикассо пишет голубой.
Пикассовский голубой — это испанский черный цвет, который сделал над собой усилие и поголубел; но сохранил всю суровость черного. Ни в голубом, ни в розовом периоде, несмотря на пастельное сочетание цветов, нет сентиментальности: Пикассо сочетает голубое и розовое таким образом, что голубой становится цветом одиночества, а розовый — цветом отчаяния. Это сочетание цветов превращает объятья людей — в акт защиты другого, а не обладания другим.
В те годы мастерство не изощренное — рассказано назывными предложениями: комната, стул, кровать, пришли люди, прижались друг к другу безоглядно, так обнимаются герои Хемингуэя или Ремарка. Наверное, это мансарда: потолок скошен. Все серое: стена, кровать, воздух; лица расплывчаты; чувствуется, что за стенами мансарды — беда.
У Мунка есть офорт «Поцелуй» композиционно схожий с этой вещью Пикассо, но отличный эмоционально. Сплетение тел у Мунка — чувственное, эротичное; в картине Пикассо эротики нет — и это поразительно, поскольку нарисована сцена в публичном доме Барселоны. Пикассо эту вещь сделал в 1900 г.
Ничего возвышенно-романтического художник написать не хотел —существуют еще три небольших холста на ту же тему и несколько рисунков, крайне непристойных. Картина получила название «Свидание» вряд ли сам мастер так назвал потому что люди обнимаются, а не совокупляются. Нарисована любовь, а не похоть.
С 7 лет Пабло уже помогал отцу в живописи и делал большие успехи. С самого начала его творческий путь складывался уверенно: художественная школа, училище Ла-Лонха, Королевская академия изящных искусств в Мадриде. Однако он постоянно прогуливал занятия, считая, что уже и так отлично умеет рисовать. Пабло Пикассо в возрасте 14-15 лет. Фото: museupicassobcn.
Смерть Карлеса Касагемаса. Фото: picassolive. Его близким товарищем в это время становится американский студент по имени Карлес Касагемас, с которым Пабло много раз бывает в Париже. Первые экскурсии друзья посвящают изучению работ Делакруа, Тулуз Лотрека, Ван Гога, Гогена, а также древних финикийских и египетских фресок, японских гравюр. Впервые Пабло начинает подписывать свои картины псевдонимом Пикассо.
В 1901-м Карлес покончил с собой из-за несчастной любви. В память об этом ужасном событии Пабло создает серию картин, которые относятся к первому периоду под названием «синий». Следующие три года молодой художник, глубоко потрясенный и погруженный в депрессию, пишет в холодных оттенках. В основном изображает сюжеты о бедности, одиночестве, отчаянии. Вершиной творчества того времени становится картина «Жизнь».
К счастью, «голубой период» в творчестве Пабло Пикассо не будет вечным, и в середине 1904 года его сменит «розовый». Розовый период 1904-1906 Пабло Пикассо «В кабаре Лапин Агиль» В августе 1904-го Пикассо знакомится с Фернандой Оливье это был псевдоним, на самом деле девушку звали Амели Ланг , и она становится первым настоящим любовным переживанием в жизни Пабло. Внезапная страсть и романтическое настроение проникли в картины, придавая им новые оттенки. Главным цветом на его полотнах стал выраженный жемчужно-розовый, сюжеты наполнены нежностью и трогательностью. Пабло Пикассо и Фернанда Оливье.
Теперь художник воспринимает людей вокруг не через призму уныния, а через новые «розовые» очки. И пусть жизнь его персонажей несовершенна, творце принимает своих героев такими, какие они есть. Интересно, что Пикассо часто изображал себя в образе Арлекина как на картине «В кабаре Лапин Агиль» , а своих друзей — в роли других персонажей. Один из главных шедевров — картина «Девочка на шаре». На ней изящная молодая девушка балансирует на шаре с улыбкой на лице.
Рядом с ней на массивном кубе сидит мускулистый атлет. Искусность лежит на грани мужественности и нежности, серьезности и легкости. Однако, самая важная идея заключается в единении двух сущностей: девочки и атлета. В любой момент девочка на шаре может нарушить равновесие и упасть, но атлет обязательно поддержит ее. Другие периоды В 1907 году Пикассо впервые знакомится с архаичным африканским искусством.
Ему нравится простота и монументальность деревянных и каменных истуканов. Одной из работ, которая теоретически повлияла на развитие всего кубизма, стала «Авиньонские девицы».
«Ожившие работы мастера»: в Красноярске впервые проходит выставка Пабло Пикассо
Пабло Пикассо мог еще при жизни похвастаться тем, что осуществил свою главную мечту. 1907 год был ознаменован удивительной находкой Пикассо: он вместе с французским художником Жоржем Браком придумал целое направление в искусстве — кубизм. Еще одним новым направлением в творчестве Пикассо стали вариации на известные работы старых художников, которые он переделал в своем собственном стиле. Пабло Пикассо: биография самого «дорогого» художника и основателя кубизма Пабло Пикассо.
Судьба Пикассо в современном мире [31]
Пабло Пикассо «Авиньонские девицы» Далее был «классический период». В нем жизнь Пикассо сильно изменилась после знакомства и брака с русской балериной Ольгой Хохловой. Рождение сына и семейная жизнь принесли ему новые впечатления и сюжеты. Фигуры на его картинах стали более традиционными и четкими, а цвета ярче. Величайшим результатом интеллектуальных усилий Пикассо стал период сюрреализма, где объекты изобразительного искусства были выражены не в соответствии с восприятием художника, а в согласии с его мыслями.
Пабло Пикассо «Купальщицы» «Военный и послевоенный период» сильно повлияли на эволюцию творчества Пикассо. В то время были написаны: «Герника», 1937 г. Вся жизнь Пабло была привязана к искусству рисования — он продолжал творить до самого конца. Последние 15 лет его творчества — это своеобразный симбиоз, переосмысление прошлой работы.
Самые известные картины последних лет его жизни — «Поцелуй», 1969 г. По Веласкесу», 1957 г. Личная жизнь Пабло Пикассо Пабло Пикассо «Свидание» Любовные отношения с представительницами прекрасного пола играли главную роль в личной жизни Пабло Пикассо. Ученые-искусствоведы подчеркивают значение семи женщин, оказавших огромное влияние на жизнь и искусство гениального художника.
Будучи невысокого роста — 158 сантиметров, живописец обладал сильной мужской энергетикой и потрясающим обаянием. Непреодолимому магнетизму, окрашенному взрывным испанским темпераментом и гениальностью, невозможно было противостоять. Пабло Пикассо в 1933 году. Она была музой молодого автора почти десять лет: без протестов позировала ему голой и не возражала, когда ей приходилось сидеть в квартире два месяца, так как у нее не было туфель, а у Пикассо не было денег, чтобы их купить.
Однако это не могло продолжаться вечно, и в конечном итоге они мирно разошлись. Марсель Умбер. Она, как и все последующие возлюбленные великого и успешного Пабло Пикассо, не могла вообразить, что щедрый любовник недавно едва сводил концы с концами. В последнее десятилетие он уже солидно укоренился, а его картины успешно покупали.
Марсель была хрупкой, тихой и трогательной, полной противоположностью Фернанды. На портретах художник часто изображал Еву как символ изысканности, непринужденности и легкости. Пабло также писал ее в образе музыкальных инструментов: скрипки или гитары. Марсель была яркой звездочкой, вспыхнувшей на небосводе Пикассо жизни на миг и быстро погасшей.
Она скончалась от туберкулеза. Будучи в творческом упадке, Пикассо завязывает тесную дружбу с Жаном Кокто, писателем и художником, который призывает его создать декорации к балету «Парад» для Дягилевской труппы. Это задание приносит мастеру новую энергию, и он встречает молодую балерину Ольгу Хохлову, дочь русского полковника. Вскоре 27-летняя девушка оставляет сцену ради брака, и в 1918 году они становятся мужем и женой.
Пикассо сам позднее затрудняется ответить на вопрос, что побудило его жениться. После свадьбы Пабло отвез Ольгу к своим родителям в Испанию, а после устроил ее в роскошной квартире в Париже. Он был настолько очарован Хохловой, что пообещал себе расстаться с богемной жизнью, твердо веря, что Ольга — это небесный дар для него.
Более сотни произведенией обоих художников, представленных в мультимедийном формате на выставке в Artplay дают понять, что этот диалог был богатым и насыщенным.
Изображение проецируется не только на экраны, но и на пол. Общая площадь проекции составляет около 1200 кв.
Ее левая рука тянется к зрителю, а правая рука прижата к коленям. Любопытно и то, что она соответствует эскизу, который Пикассо отправил коллеге в то же время. До сих пор все, что можно было обнаружить в потерянной картине — слабый след очертаний силуэта женщины. Любая дополнительная деталь — например цвет и стиль — была утеряна. Как нейросети воссоздают произведения искусства Однако, используя нейронную сеть, обученную отличать стиль одного художника от другого или в случае таких художников, как Пикассо находить отличия одного периода от другого, исследователи из Университетского колледжа Лондона вдохнули в картину новую жизнь, воссоздав оригинал Пикассо. Портрет сидящей женщины, обнаруженный под слоем краски Основой для нейронной сети стала методика,которую в 2015 году разработал Леон Гатис из Университете Тюбингена Германия , под названием передача нейронного стиля.
Техника машинного зрения может определить стиль картины и преобразовать его в соответствие со стилем другой картины. В ходе исследования ученые взяли рентгеновские изображения очертаний женщины и подключили их к нейронной сети, созданной для преобразования изображений в стиль La Vie 1903 , еще одного шедевра синего периода Пикассо.
Второй брак был заключён 13 марта 1961 года: 79-летний художник зарегистрировал свои отношения с 37-летней моделью Жаклин Рок. Ей посвящено наибольшее количество картин. И именно Жаклин после смерти Пикассо взяла на себя ответственность за сохранение наследия художника, благодаря ей музеи пополнили свои коллекции бесценными шедеврами.
А накануне одной из выставок Пикассо Жаклин застрелилась. Художник был довольно жесток к своим детям и внукам. Сын от первого брака с Ольгой Хохловой жил в бедности, в то время как художник купался в достатке: платил за шикарные банкеты, лишь поставив свою подпись на салфетке, и похвалялся, что может покупать себе дома «за три картинки, намалёванные вчера». Он дарил свои рисунки друзьям, даже посвятил одну тарелку своей собаке, а вот внукам — ничего. Один из внуков покончил с собой в 24 года, выпив хлорку.
Девочка на шаре, 1905. Марк Шагал как-то сказал, что испанец меняет стиль чаще, чем носки. Традиционно принято выделять 11 периодов творчества Пикассо: ранний, голубой, розовый, африканский, аналитический кубизм, синтетический кубизм, классицизм, сюрреализм, предвоенный, послевоенный, поздний. Один из великих фотографов 20-го века Дэвид Дуглас Дункан как-то спросил художника, какой из периодов ему наиболее близок, какой он считает самым значимым в своём творчестве.