Самый ироничный классик российского современного искусства создал свои первые значительные проекты в конце 1970-х, в том числе и арт-группу «Мухоморы», известную пародийными акциями. 3 декабря Секретариат СТД РФ утвердил имена лауреатов Специальной премии «Золотая маска» «За выдающийся вклад в развитие театрального искусства». 4 мая в Музее искусства Санкт-Петербурга XX-XXI веков открываются четыре новых выставки, представляющие знаковых мастеров Петербурга. В прошлой подборке мы рассказывали в основном о зарубежных современных композиторах, а теперь поговорим об отечественных.
Современные деятели искусства России: их вклад и достижения
Журнал о современном искусстве Arthope. В 2012 году в составлении рейтинга самых влиятельных людей в современном российском искусстве приняли участие 11 экспертов – представители разных полюсов арт-сообщества: известные критики, кураторы, галеристы и коллекционеры. В Кемеровском центре искусств накануне открылась выставка современного искусства, которую привёз известный телеведущий. Специальный проект «Известий» и Центра современного искусства «Винзавод» об актуальном российском искусстве. Обзор современной отечественной живописи. Искусство России 2000-х – начала 2020-х гг., период в истории искусства России.
Деятели современного искусства России: их вклад в культуру и творческий наследие
Логутов; средствами видео-арта работает с наследием классического искусства в духе Б. К видео как инструменту обращаются Шифра Яков Каждан, «Синие носы», целая плеяда художников — выпускников и преподавателей Московской школы фотографии и мультимедиа имени Родченко К. Преображенский, Д. Венков, Е. Гранильщиков, Саша Пирогова, А.
Баевер, Д. Полока, В. Смахтин, Антон Elfilter А. Медиаинсталляции, соединяющие видео, звук и свойства персональных цифровых устройств ради ироничного осмысления действительности, создаёт группа Electroboutique А.
Чернышев, А. Выразительные возможности звука исследуют С. Летов, С. Касич, ::vtol:: Д.
Морозов , А. Существует цифровое искусство , использующее компьютерную графику О. Тобрелутс, Н. Стручкова, группа «Обледенение архитекторов», Ю.
Интернет и его коммуникационные возможности — тема направления нет-арт во всемирной компьютерной сети А. Шульгин, Оля Лялина, В. Могилевский, А. Ревизоров, Р.
Рубанский, А. С нет-артом связана и новейшая тенденция «пост-интернет», материализующая элементы «предметной» среды Интернета группа Electroboutique. На стыке нет-арта и «постинтернета» работают К. Савченков, М.
Махов, С. Подробнее о петербургских художниках и культурной жизни см. Это были практически впервые негосударственные учреждения; редкий более ранний пример — основанный в 1990 г. Пушкин посвящён преимущественно ленинградскому неофициальному искусству ; стал государственным в 1996.
Основанный в 1996 г. Свибловой Московский дом фотографии МДФ в 2003 г. В 1999 г. Учреждённый ещё в 1994 г.
С 2016 г. Пушкина — ГМИИ. Историк искусства и куратор А. Ерофеев в 1989—2002 гг.
В 2001 г. Обухова, А. В 2016 г. В 2005 г.
Эрик Булатов. Инсталляция «Гараж». Фото: Егор Слизяк. Одним из первых частных музеев современного искусства в России стал ART4.
RU в Москве 2007, основатель И. В 2008 г. Жуковой и Р. Абрамовича открылся Центр современной культуры «Гараж» ныне Музей современного искусства «Гараж» ; название происходит от первоначального здания — Бахметьевского гаража, спроектированного К.
Мельниковым и В. Шуховым ; с 2012 располагается в Парке Горького. В Бахметьевском гараже с 2012 г. В 2013 г.
Мечетиным открыт Центр современного искусства «Заря». В Перми по инициативе галериста М. Гельмана с 2021 в РФ признан иностранным агентом был создан Государственный музей современного искусства PERMM, где в том числе прошла выставка «Русское бедное» 2008; проект представителя администрации Пермского края в Совете Федерации в 2007—2010 С. Гордеева, куратор Гельман; также показана в Москве в 2009 , посвящённая аналогу арте повера в российском искусстве, крупное событие отечественной художественной жизни 21 в.
В 2010 г. Каварга, Д. Булатов, Ю. Боровая, платформа Laboratoria.
Новый музей современного искусства на основе коллекции А. Чехоева сосредоточил свою деятельность на наследии советского андерграунда и ключевых фигурах искусства 21 в. Среди новых музеев, посвящённых истории искусства, — Музей русской иконы в Москве 2006, основатель М. Абрамов , Волжская картинная галерея «Собрание актуального реализма» в Тольятти 2011; основана В.
Ананьевым в 2011, закрыт в 2019 ориентировался на живопись реалистического направления, в его постоянной экспозиции было представлено творчество российских художников начала 20 — начала 21 вв. Изучение российского искусства 20 в. Минцем в 2012 г. Музея русского импрессионизма.
Осмысление и актуализация наследия «второго авангарда» — цель деятельности Музея АЗ посвящён наследию А. Зверева ; 2013. С 2022 г. Галереи и фонды Среди открывшихся в 21 в.
Работают и занимающиеся историей искусства галереи «Наши художники» 1995; специализация — художники русского зарубежья , «Элизиум» 1998 , «Веллум» 2000 , «Галеев-галерея» основана И. Галеевым в 2006; ведёт издательскую программу; все — в Москве. Исторические и современные выставки проводит KGallery в Санкт-Петербурге 2005. Фонд культуры «Екатерина» основан в 2002 Е.
Открытая С. Кесаевой галерея Stella Art Gallery 2003 вошла в состав фонда Stella Art Foundation, который поддерживает молодых художников номинация «Новая генерация» в рамках премии «Инновация», с 2006, и прочее , реализует издательскую программу, занимался экспозицией павильона России на художественной Венецианской биеннале 2011, 2013 и 2015; Кесаева была в эти годы комиссаром павильона. Работают также фонды «Эра» основан Е. Михельсоном в 2009; грант имени О.
Лопуховой для молодых кураторов и художников, Дом культуры «ГЭС-2» и т. Значительна роль в художественной жизни 21 в. Фестивали и периодические выставки К первым периодическим выставкам относятся инициативы МДФ МАММ — Фотобиеннале с 1996 и «Мода и стиль в фотографии» с 2001 — масштабные экспозиции зарубежного и отечественного фотоискусства 20—21 вв. С 1995 г.
Ширяевская биеннале в городском округе Жигулёвск в Самарской области с 1999 , посвящённая связям между Европой и Азией, включает экспозицию произведений искусства, перформансы, хеппенинги, дискуссии и т. С 2005 г. На основе фестиваля молодого искусства «Стой! Кто идёт?
Есть ли современные проекты, которые вас развеселили или огорчили своей идиотичностью? Реакция с улыбкой — скорее показатель удачной формы. Сегодня мы не в силах отказаться от реди-мейда в искусстве, после ста лет его существования. Никаких «градаций и критериев», оговоренных заранее, арт не приемлет: судить надо потом, когда осуществится форма. Однажды, это было в 1995 году, я выиграл процесс у знаменитого фотографа Хельмута Ньютона о праве художника на цитату. Постановление Высшего суда в Гамбурге было таковым: идея не защищена — защищена форма! Потому что идея вне формы не существует, ее можно интерпретировать как угодно. И в этом смысле «не пойми что» потенциально может обрести убедительную форму.
Вы, наверное, обращали внимание, что количество комиссий, советов, кураторов, союзов и гильдий прямо пропорционально желанию одних управлять другими. Семеро с ложкой — один с сошкой. На деле художник все эти роли выполняет сам, исключая вариант, когда за ним стоит галерея с серьезным бюджетом — как продюсер за режиссером в киноиндустрии. Кураторы, которые склонны считать режиссерами себя, в большинстве своем отрабатывают ими же придуманный нарративный концепт и тащат на выставки тот арт, который под него подходит. Это люди пишущие и слышащие, но не видящие. Что касается «промоутерства и маркетинга», то это их мало интересует, они заняты конкретными выставками, своими стратегиями и собственным маркетингом. Институт кураторства обрел неоправданную значимость, считается, что без этого арт-процесс не имеет ценности. К счастью, хоть и редко, но встречаются выдающиеся теоретики «с глазами».
Расскажите о проекте «Стена». Размер инсталляции — 42 на 6 метров. Стена на месте окна, стена образов, перекликающихся друг с другом и пространством музея. Это было очень круто для того времени — не только для России. Скажу, что осуществить проект «Стена» в Третьяковке тогда было очень трудно. Никаких спонсоров и денег инвесторов не было и в помине. Но мне, тогда сорокалетнему, очень хотелось ответить на вызов, брошенный самому себе. Что о них говорят искусствоведы и что простые люди?
Я же современный живой художник, поэтому еще не покрылся «патиной классичности» и хочу продолжать искать, удивляя находками новой формы других — и себя в первую очередь. Что вы хотите сказать, стирая? Некоторые идеи родились давно, но я не осознавал их ценности. В 1997 году мне была непонятна уникальность жеста стирания. Если ты, скажем, стираешь живопись на холсте или бумаге, то единственное, что остается, — буквально снять скальпелем красочный слой и начать резать саму основу… Вначале меня привлек известный в истории искусства факт, что художник Роберт Раушенберг стер рисунок Виллема де Кунинга и выставил его под названием «Erased de Kooning Drawing» «Стертый де Кунинг». Раушенберг в процессе своего «первичного жеста» стирания получил серо-белую бумагу. Это был скорее акционистский прием, но не метод, и никакой системой он не стал. У меня же все обрело иной смысл: в компьютере стираемое изображение исчезает целиком: там нет белого карандаша, а есть светящийся экран, и все висит в воздухе.
В зависимости от того, как ты стер и какую часть, получается «action painting», но вывернутая наоборот. Когда я сделал первую работу, это был еще вполне постмодернистский жест: Раушенберг стер де Кунинга, а я стер его самого эта картина есть в собрании Третьяковки. Маски и шаблоны, которые я использовал и использую в работе, — вовсе не техницизм, с их помощью артикулируется граница между человеком и компьютером. Это визуальный жест, это точное обозначение линии, разделяющей сознание человека нашего времени от более ранних эпох. Маски мне нужны для создания образа «нерукотворной» пластики. В остальном же это далеко не механический и очень сложный процесс. Все рукотворно и рукодельно. Мы знаем, что искусство шло от «прямого» жеста к «непрямому».
Прямой жест — это образ, который художник увидел в жизни и перенес в зону искусства, это прямое отношение к реальности, которое существовало в живописи, собственно, все последние 500 лет. А непрямой, нелинеарный жест — это когда новые формы создаются взаимными комбинациями всех предыдущих находок и в финале с помощью компьютера. Я себя ощутил именно в этом процессе — в нем присутствуют совершенно новые технологические возможности. Он пока еще не изучен, он слишком живой, но явно отличается от предыдущего, от эклектического постмодернизма. Он, по моему мнению, и есть чистый сегодняшний авангард, потому что его язык обладает новой степенью свободы. Когда, например, я говорю о «стирании», то подчеркиваю, что это можно сделать, только применяя компьютер. Компьютер — невиданная до сих пор кисть художника. В свое время Клод Моне стал авангардистом, потому что обратил внимание на достижения науки в области оптики.
Но когда художник не готов чувствовать дух времени, когда в его сознании не укладываются новые понятия, это для искусства губительно. Ведь наука и культура в принципе развиваются параллельно, как две важные составляющие цивилизации, а искусство, как интегральное явление, в себя все впитывает. Компьютер совершил революционный прорыв в применении новых технологий в искусстве, потому что художник стал работать конгломератами форм, он смог ими управлять, возвращать, стирать, запоминать формы, удерживать огромные блоки информации. Вот, например, я «стер» «Черный квадрат» Малевича эта моя работа находится в ММСИ, а ранее она выставлялась вместе с реальным Малевичем 1915 года из Третьяковки в музее в Германии — и это одновременно и художественный жест, и пластический результат: я нахожусь в диалоге с формой Малевича, но могу делать с ним что хочу, не повреждая его. Скандально известный актом вандализма над настоящим холстом Малевича художник Бренер тоже находился в диалоге, но он протекал в зоне реальной жизни, а не в зоне искусства, после чего автор закономерно попал в реальную тюрьму. По-моему, искусство — это способ выражения жизни не в тождественных жизни формах, без влипания в точку бытия, показывающий жизнь дистанцированно в зоне, которая называется зоной искусства. Художник всегда стремится выразить новыми средствами собственные переживания, представления и желания. В общем, художник — это философ, только его тексты визуальные.
И как философ, желая смоделировать жизнь, он не уничтожает, например, трактат Гегеля, а пишет новый, «антигегельянский» текст. То же самое с искусством. Хочешь бороться против коммерциализации искусства — замечательно, но вовсе не обязательно при этом портить реальную работу художника Малевича. Тем самым ты просто совершаешь акт в зоне жизни, где равным образом можешь кого-то застрелить или взорвать World Trade Center, и это все произойдет, не имея дистанции от нее. Искусство же начинается тогда, когда в стремлении выразить образ художник находит необходимое остранение. Когда я стер «Черный квадрат», связь между мной и Малевичем сохранилась — в виде пикселя, борющегося с его квадратом, — в результате появилась метафора. Раньше я не думал, что жест стирания сильнее жеста созидания. Когда что-то стирается, это становится заметно сразу.
Наверно, это связано с мгновенным выбросом энергии уничтожения.
Проект подчеркивает важность объединения людей через искусство, которое способно преодолевать языковые барьеры и сплотить представителей разных национальностей, вероисповеданий и культурных традиций. Проект «Искусство объединяет мир. Человечество и Космос» был поддержан специальной видеоинсталляцией «Первые», созданной при участии Первого канала и Константина Эрнста. Посетители выставки смогли увидеть эксклюзивные кадры со съемочной площадки кинокартины «Вызов» Клима Шипенко — первого фильма в истории, снятого в космосе в условиях невесомости.
Экспозиция также была дополнена триптихом итальянского художника Энцо Розамилиа в формате фиджитал, посвященным культовым личностям, которые внесли свой вклад в развитие отечественной космонавтики — Юрию Гагарину и Валентине Терешковой, а также первой «космической» актрисе Юлии Пересильд.
Постановление Высшего суда в Гамбурге было таковым: идея не защищена — защищена форма! Потому что идея вне формы не существует, ее можно интерпретировать как угодно. И в этом смысле «не пойми что» потенциально может обрести убедительную форму. Вы, наверное, обращали внимание, что количество комиссий, советов, кураторов, союзов и гильдий прямо пропорционально желанию одних управлять другими. Семеро с ложкой — один с сошкой. На деле художник все эти роли выполняет сам, исключая вариант, когда за ним стоит галерея с серьезным бюджетом — как продюсер за режиссером в киноиндустрии. Кураторы, которые склонны считать режиссерами себя, в большинстве своем отрабатывают ими же придуманный нарративный концепт и тащат на выставки тот арт, который под него подходит. Это люди пишущие и слышащие, но не видящие.
Что касается «промоутерства и маркетинга», то это их мало интересует, они заняты конкретными выставками, своими стратегиями и собственным маркетингом. Институт кураторства обрел неоправданную значимость, считается, что без этого арт-процесс не имеет ценности. К счастью, хоть и редко, но встречаются выдающиеся теоретики «с глазами». Расскажите о проекте «Стена». Размер инсталляции — 42 на 6 метров. Стена на месте окна, стена образов, перекликающихся друг с другом и пространством музея. Это было очень круто для того времени — не только для России. Скажу, что осуществить проект «Стена» в Третьяковке тогда было очень трудно. Никаких спонсоров и денег инвесторов не было и в помине.
Но мне, тогда сорокалетнему, очень хотелось ответить на вызов, брошенный самому себе. Что о них говорят искусствоведы и что простые люди? Я же современный живой художник, поэтому еще не покрылся «патиной классичности» и хочу продолжать искать, удивляя находками новой формы других — и себя в первую очередь. Что вы хотите сказать, стирая? Некоторые идеи родились давно, но я не осознавал их ценности. В 1997 году мне была непонятна уникальность жеста стирания. Если ты, скажем, стираешь живопись на холсте или бумаге, то единственное, что остается, — буквально снять скальпелем красочный слой и начать резать саму основу… Вначале меня привлек известный в истории искусства факт, что художник Роберт Раушенберг стер рисунок Виллема де Кунинга и выставил его под названием «Erased de Kooning Drawing» «Стертый де Кунинг». Раушенберг в процессе своего «первичного жеста» стирания получил серо-белую бумагу. Это был скорее акционистский прием, но не метод, и никакой системой он не стал.
У меня же все обрело иной смысл: в компьютере стираемое изображение исчезает целиком: там нет белого карандаша, а есть светящийся экран, и все висит в воздухе. В зависимости от того, как ты стер и какую часть, получается «action painting», но вывернутая наоборот. Когда я сделал первую работу, это был еще вполне постмодернистский жест: Раушенберг стер де Кунинга, а я стер его самого эта картина есть в собрании Третьяковки. Маски и шаблоны, которые я использовал и использую в работе, — вовсе не техницизм, с их помощью артикулируется граница между человеком и компьютером. Это визуальный жест, это точное обозначение линии, разделяющей сознание человека нашего времени от более ранних эпох. Маски мне нужны для создания образа «нерукотворной» пластики. В остальном же это далеко не механический и очень сложный процесс. Все рукотворно и рукодельно. Мы знаем, что искусство шло от «прямого» жеста к «непрямому».
Прямой жест — это образ, который художник увидел в жизни и перенес в зону искусства, это прямое отношение к реальности, которое существовало в живописи, собственно, все последние 500 лет. А непрямой, нелинеарный жест — это когда новые формы создаются взаимными комбинациями всех предыдущих находок и в финале с помощью компьютера. Я себя ощутил именно в этом процессе — в нем присутствуют совершенно новые технологические возможности. Он пока еще не изучен, он слишком живой, но явно отличается от предыдущего, от эклектического постмодернизма. Он, по моему мнению, и есть чистый сегодняшний авангард, потому что его язык обладает новой степенью свободы. Когда, например, я говорю о «стирании», то подчеркиваю, что это можно сделать, только применяя компьютер. Компьютер — невиданная до сих пор кисть художника. В свое время Клод Моне стал авангардистом, потому что обратил внимание на достижения науки в области оптики. Но когда художник не готов чувствовать дух времени, когда в его сознании не укладываются новые понятия, это для искусства губительно.
Ведь наука и культура в принципе развиваются параллельно, как две важные составляющие цивилизации, а искусство, как интегральное явление, в себя все впитывает. Компьютер совершил революционный прорыв в применении новых технологий в искусстве, потому что художник стал работать конгломератами форм, он смог ими управлять, возвращать, стирать, запоминать формы, удерживать огромные блоки информации. Вот, например, я «стер» «Черный квадрат» Малевича эта моя работа находится в ММСИ, а ранее она выставлялась вместе с реальным Малевичем 1915 года из Третьяковки в музее в Германии — и это одновременно и художественный жест, и пластический результат: я нахожусь в диалоге с формой Малевича, но могу делать с ним что хочу, не повреждая его. Скандально известный актом вандализма над настоящим холстом Малевича художник Бренер тоже находился в диалоге, но он протекал в зоне реальной жизни, а не в зоне искусства, после чего автор закономерно попал в реальную тюрьму. По-моему, искусство — это способ выражения жизни не в тождественных жизни формах, без влипания в точку бытия, показывающий жизнь дистанцированно в зоне, которая называется зоной искусства. Художник всегда стремится выразить новыми средствами собственные переживания, представления и желания. В общем, художник — это философ, только его тексты визуальные. И как философ, желая смоделировать жизнь, он не уничтожает, например, трактат Гегеля, а пишет новый, «антигегельянский» текст. То же самое с искусством.
Хочешь бороться против коммерциализации искусства — замечательно, но вовсе не обязательно при этом портить реальную работу художника Малевича. Тем самым ты просто совершаешь акт в зоне жизни, где равным образом можешь кого-то застрелить или взорвать World Trade Center, и это все произойдет, не имея дистанции от нее. Искусство же начинается тогда, когда в стремлении выразить образ художник находит необходимое остранение. Когда я стер «Черный квадрат», связь между мной и Малевичем сохранилась — в виде пикселя, борющегося с его квадратом, — в результате появилась метафора. Раньше я не думал, что жест стирания сильнее жеста созидания. Когда что-то стирается, это становится заметно сразу. Наверно, это связано с мгновенным выбросом энергии уничтожения. Ведь стирание пугает человека тем, что время начинает идти вспять, жизнь обессмысливается — приближается смерть. Природа сама по себе живет таким же энтропийным способом — она стремится к хаосу, но человеку присуще с хаосом бороться.
Поэтому создание любых образов — это способ борьбы с энтропией. Хочется пожелать зрителю не бояться образов — это же миражи, фантомы и сны. Раньше у «классического» художника был оппонент: мир науки.
10 современных российских художников, за которыми стоит следить
Читайте также Стас Михайлов заявил, что пока не планирует гастроли за рубежом Лукашенко отметил вклад Стаса Михайлова в укрепление связей между народами РФ и Белоруссии Стас Михайлов отметит 55-летие на сцене "Live Арена" Награда присуждена "за большой вклад в развитие отечественной культуры и искусства, многолетнюю творческую деятельность". Михайлову 27 апреля исполняется 55 лет.
Гриша Брускин р. Олег Целков р.
Мальчик с воздушными шариками. Оскар Рабин р. Александр Виноградов р.
Ночная тренировка. Известно, что аукционные цены — вещь иррациональная и по ним нельзя судить об истинной роли и значимости художника в художественном процессе. Зато по ним и по топ-лотам можно примерно судить о коллекционерских предпочтениях.
Каковы же они? Чтобы ответить на этот вопрос, не нужно быть экспертом. Они очевидны.
Во-первых, все художники разве что кроме Александра Виноградова и Владимира Дубосарского — «живые классики» в летах, причем весьма солидных. Во-вторых, почти у каждого из них рекорды установили не работы последних лет, а намного более ранние, то есть закономерность «чем старше — тем лучше» актуальна и здесь. В-третьих, все без исключения произведения из топ-10 представляют собой станковые картины.
В-четвертых, это все картины большого и очень большого размера. Более или менее «стандартными» в этом отношении можно считать разве что «Город и луну» Оскара Рабина и «Мальчика с воздушными шариками» Олега Целкова, все же остальные здорово превышают в высоту даже не в ширину человеческий рост. Наконец, для всех этих художников так или иначе актуальна тема советского в частности, нонконформистского прошлого, во многих случаях акцентированная в их работах.
Похоже, наши коллекционеры испытывают острую ностальгию по этому самому советскому прошлому общеизвестно, что русское искусство на Западе покупают именно русские собиратели. Более молодые, чем остальные лидеры аукционных продаж, Александр Виноградов и Владимир Дубосарский несколько упрямо пытаются выломиться из десятки суровых нонконформистов, но это только на первый взгляд.
Это люди пишущие и слышащие, но не видящие. Что касается «промоутерства и маркетинга», то это их мало интересует, они заняты конкретными выставками, своими стратегиями и собственным маркетингом. Институт кураторства обрел неоправданную значимость, считается, что без этого арт-процесс не имеет ценности. К счастью, хоть и редко, но встречаются выдающиеся теоретики «с глазами». Расскажите о проекте «Стена». Размер инсталляции — 42 на 6 метров. Стена на месте окна, стена образов, перекликающихся друг с другом и пространством музея.
Это было очень круто для того времени — не только для России. Скажу, что осуществить проект «Стена» в Третьяковке тогда было очень трудно. Никаких спонсоров и денег инвесторов не было и в помине. Но мне, тогда сорокалетнему, очень хотелось ответить на вызов, брошенный самому себе. Что о них говорят искусствоведы и что простые люди? Я же современный живой художник, поэтому еще не покрылся «патиной классичности» и хочу продолжать искать, удивляя находками новой формы других — и себя в первую очередь. Что вы хотите сказать, стирая? Некоторые идеи родились давно, но я не осознавал их ценности. В 1997 году мне была непонятна уникальность жеста стирания.
Если ты, скажем, стираешь живопись на холсте или бумаге, то единственное, что остается, — буквально снять скальпелем красочный слой и начать резать саму основу… Вначале меня привлек известный в истории искусства факт, что художник Роберт Раушенберг стер рисунок Виллема де Кунинга и выставил его под названием «Erased de Kooning Drawing» «Стертый де Кунинг». Раушенберг в процессе своего «первичного жеста» стирания получил серо-белую бумагу. Это был скорее акционистский прием, но не метод, и никакой системой он не стал. У меня же все обрело иной смысл: в компьютере стираемое изображение исчезает целиком: там нет белого карандаша, а есть светящийся экран, и все висит в воздухе. В зависимости от того, как ты стер и какую часть, получается «action painting», но вывернутая наоборот. Когда я сделал первую работу, это был еще вполне постмодернистский жест: Раушенберг стер де Кунинга, а я стер его самого эта картина есть в собрании Третьяковки. Маски и шаблоны, которые я использовал и использую в работе, — вовсе не техницизм, с их помощью артикулируется граница между человеком и компьютером. Это визуальный жест, это точное обозначение линии, разделяющей сознание человека нашего времени от более ранних эпох. Маски мне нужны для создания образа «нерукотворной» пластики.
В остальном же это далеко не механический и очень сложный процесс. Все рукотворно и рукодельно. Мы знаем, что искусство шло от «прямого» жеста к «непрямому». Прямой жест — это образ, который художник увидел в жизни и перенес в зону искусства, это прямое отношение к реальности, которое существовало в живописи, собственно, все последние 500 лет. А непрямой, нелинеарный жест — это когда новые формы создаются взаимными комбинациями всех предыдущих находок и в финале с помощью компьютера. Я себя ощутил именно в этом процессе — в нем присутствуют совершенно новые технологические возможности. Он пока еще не изучен, он слишком живой, но явно отличается от предыдущего, от эклектического постмодернизма. Он, по моему мнению, и есть чистый сегодняшний авангард, потому что его язык обладает новой степенью свободы. Когда, например, я говорю о «стирании», то подчеркиваю, что это можно сделать, только применяя компьютер.
Компьютер — невиданная до сих пор кисть художника. В свое время Клод Моне стал авангардистом, потому что обратил внимание на достижения науки в области оптики. Но когда художник не готов чувствовать дух времени, когда в его сознании не укладываются новые понятия, это для искусства губительно. Ведь наука и культура в принципе развиваются параллельно, как две важные составляющие цивилизации, а искусство, как интегральное явление, в себя все впитывает. Компьютер совершил революционный прорыв в применении новых технологий в искусстве, потому что художник стал работать конгломератами форм, он смог ими управлять, возвращать, стирать, запоминать формы, удерживать огромные блоки информации. Вот, например, я «стер» «Черный квадрат» Малевича эта моя работа находится в ММСИ, а ранее она выставлялась вместе с реальным Малевичем 1915 года из Третьяковки в музее в Германии — и это одновременно и художественный жест, и пластический результат: я нахожусь в диалоге с формой Малевича, но могу делать с ним что хочу, не повреждая его. Скандально известный актом вандализма над настоящим холстом Малевича художник Бренер тоже находился в диалоге, но он протекал в зоне реальной жизни, а не в зоне искусства, после чего автор закономерно попал в реальную тюрьму. По-моему, искусство — это способ выражения жизни не в тождественных жизни формах, без влипания в точку бытия, показывающий жизнь дистанцированно в зоне, которая называется зоной искусства. Художник всегда стремится выразить новыми средствами собственные переживания, представления и желания.
В общем, художник — это философ, только его тексты визуальные. И как философ, желая смоделировать жизнь, он не уничтожает, например, трактат Гегеля, а пишет новый, «антигегельянский» текст. То же самое с искусством. Хочешь бороться против коммерциализации искусства — замечательно, но вовсе не обязательно при этом портить реальную работу художника Малевича. Тем самым ты просто совершаешь акт в зоне жизни, где равным образом можешь кого-то застрелить или взорвать World Trade Center, и это все произойдет, не имея дистанции от нее. Искусство же начинается тогда, когда в стремлении выразить образ художник находит необходимое остранение. Когда я стер «Черный квадрат», связь между мной и Малевичем сохранилась — в виде пикселя, борющегося с его квадратом, — в результате появилась метафора. Раньше я не думал, что жест стирания сильнее жеста созидания. Когда что-то стирается, это становится заметно сразу.
Наверно, это связано с мгновенным выбросом энергии уничтожения. Ведь стирание пугает человека тем, что время начинает идти вспять, жизнь обессмысливается — приближается смерть. Природа сама по себе живет таким же энтропийным способом — она стремится к хаосу, но человеку присуще с хаосом бороться. Поэтому создание любых образов — это способ борьбы с энтропией. Хочется пожелать зрителю не бояться образов — это же миражи, фантомы и сны. Раньше у «классического» художника был оппонент: мир науки. Из него новые открытия приносили новые знания, что вело к появлению новых течений в искусстве. Но в какой-то момент классическая физика закончилась, и искусство в классическом виде закончилось. Постмодернизм появился именно потому, что человек обрел невероятный рефлексийный инструментарий благодаря присутствию компьютера.
Впервые я стал думать и говорить об этом двадцать пять лет назад, и тогда мне захотелось выразить образ границы между дигитальным и аналоговым существованием человека. Он приблизился к этой границе, но не может шагнуть своим физическим телом за грань оболочки видимых объектов — в мир электромагнитных полей. Вот тут-то и начинается мистика, поскольку желание передать умозрительный образ пытается реализовать его в пространстве возможностей человеческого представления. И только художнику удается заставить вибрировать свое произведение магическими приемами, и эта вибрация передается зрителю, если он настроен на ту же частоту.
Его композиции гармонично сочетают различные жанры и звучание инструментов. Кроме того, в России есть множество других замечательных композиторов, таких как Евгений Гурьев, Андрей Волошин, Алексей Старостин и многие другие. Они все вносят свой вклад в развитие музыкального искусства и продолжают удивлять слушателей своими творческими достижениями.
Современные композиторы России — настоящие музыкальные гении, чьи произведения восхищают и заставляют задуматься. Их вклад в развитие музыкальной культуры России и мира является неоценимым, и их достижения заслуживают всеобщего признания. Великие режиссеры России: творцы незабываемых фильмов Андрей Звягинцев — один из самых известных современных российских режиссеров. Его фильмы, такие как «Левиафан» и «Нелюбовь», получили огромное количество наград и были отмечены на международных кинофестивалях. Алексей Балабанов — великий режиссер, известный своими яркими и неординарными фильмами. Среди его известных работ — «Брат» и «Морфий», которые стали настоящими культовыми фильмами российского кинематографа. Андрей Тарковский — классик отечественного искусства, чьи фильмы оставили неизгладимый след в мировой кинематографии.
Кира Муратова — известная российская режиссерка, которая создает фильмы, вызывающие дискуссии и разделяющие общество на сторонников и противников. Ее работы, такие как «Лондон-Москва», обращаются к сложным социальным и моральным вопросам.
«Искусство или нет?»
- Топ-50 самых дорогих ныне живущих художников России | The Art Newspaper Russia — новости искусства
- Топ-50 самых дорогих ныне живущих художников России
- Смотрите также
- Смотрите также
- Артур Кривошеин
- Современные российские деятели искусства
Василий Кононов-Гредин (pop/off/art)
- Лауреаты Специальной премии «Золотая маска» «За выдающийся вклад в развитие театрального искусства»
- Лаврус - 10 произведений российского современного искусства, которые нужно знать //Текст
- Достижения современной российской культуры — Русский эксперт
- Деятели современного искусства России: их вклад в культуру и творческий наследие, читать онлайн
Топ-50 самых дорогих ныне живущих художников России
Новости искусства. В прошлой подборке мы рассказывали в основном о зарубежных современных композиторах, а теперь поговорим об отечественных. Журнал о современном искусстве Arthope. Современное искусство России обширное и глобальное направление в нашем современном и быстроразвивающемся мире.
Картины русских художников 21 века. Обзор современной отечественной живописи
Российская академия художеств продолжает знакомить столичного зрителя с искусством представителей известных художественных династий. известного российского художника Александра Чернигина. Презентация о выдающихся представителях современного отечественного искусства. Пожаловаться. Вершители художественных судеб и властители современного российского искусства представлены наиболее цитируемыми на сегодняшний день руководителями крупных государственных и общественных организаций. Куда движется сегодня художественное искусство в России и какие темы поднимают художники в своих картинах, перформансах, инсталляциях.